MODA Y CULTURAS de Europa. Investigación histórica de Guillaumette Duplaix, editora ejecutiva de RUNWAY REVISTA. Foto / Imágenes cortesía: GettyImages / INPI / Louis Vuitton / Dolce Gabbana / Emilio Pucci.
"La moda se desvanece, sólo queda el estilo".
Coco Chanel
La moda como elemento esencial de nuestra sociedad.
La moda desempeña un papel crucial al inspirarse en las culturas, la historia y el arte, sirviendo como herramienta educativa y fuente de inspiración. Seguir las tendencias de la moda a menudo conduce al surgimiento de comunidades con intereses compartidos, que avanzan colectivamente en la misma dirección.
Las grandes marcas de lujo llevan años construyendo su identidad y su ADN. A veces, contratan directores creativos fuera de sus círculos tradicionales por razones culturales o de marketing, con el objetivo de atraer a una nueva audiencia con un origen cultural diferente.
Este enfoque puede parecer atractivo al principio, ya que introduce nuevas ideas y una nueva perspectiva. Permite que una marca se reinvente y siga siendo relevante en el tiempo. Sin embargo, también existen riesgos asociados con esta práctica.
Uno de los riesgos es la dilución de la identidad de la casa de lujo
Cuando se contrata a un director creativo externo, este puede aportar una visión que diverge de la identidad establecida de la marca, diluyendo potencialmente la esencia y autenticidad de la marca. Los seguidores y clientes leales pueden sentirse alienados o decepcionados si los valores y la estética que aprecian se modifican significativamente.
Además, contratar un director creativo externo puede verse como una estrategia puramente comercial destinada a atraer nuevos clientes y aumentar los ingresos. Esto puede generar críticas y ser percibido como una explotación de la cultura o una participación en la apropiación cultural, particularmente si la marca se basa en gran medida en una cultura específica sin honrar sus orígenes y significados profundos.
La idea de nombrar un director creativo ajeno a la narrativa tradicional de una marca de lujo puede parecer prometedora, pero es fundamental abordar esta práctica con cautela. Es vital lograr un equilibrio entre la innovación y el mantenimiento de la identidad y la historia de la marca, así como demostrar sensibilidad cultural para evitar cualquier forma de explotación o apropiación cultural.
La moda es un acontecimiento social.
MODA Y CULTURA EN FRANCIA
Exploremos la evolución de Louis Vuitton bajo el liderazgo de Virgil Abloh.
Este talentoso individuo cumplió con éxito su misión al atraer a una audiencia predominantemente musical, atlética y afroamericana. Esto ha creado una nueva comunidad de consumidores que muestra su afiliación grupal a través de la marca Louis Vuitton. Sin embargo, esta tendencia podría centrarse más en la apariencia exterior y la exhibición de riqueza que en una comprensión genuina de la cultura y el significado de la marca.
Es crucial que las marcas de lujo preserven su ADN y su herencia cultural mientras evolucionan con el tiempo. La aplicación de estrategias financieras a corto plazo puede conducir a veces a una pérdida de autenticidad y a una dilución de la identidad de la marca.
También me refiero al ejemplo de Pharrell Williams, quien mostró diseños utilizando pieles de animales en peligro de extinción sin considerar opiniones profesionales. Esto plantea preocupaciones legítimas sobre cómo la inspiración puede convertirse en apropiación cultural, así como la importancia de respetar la naturaleza y el medio ambiente en el diseño de moda.
De hecho, la moda sirve como conducto para la cultura, la educación, la economía y la política. Tiene un impacto profundo en nuestra sociedad y puede desempeñar un papel importante en la configuración de nuestras identidades individuales y colectivas. Por lo tanto, es crucial que las casas de moda sean conscientes de sus responsabilidades y actúen de manera ética, asegurándose de preservar su patrimonio mientras se adaptan a los cambios del mundo contemporáneo.
Sin embargo, también es importante reconocer que las opiniones sobre la moda y sus implicaciones pueden variar. Algunos pueden ver estos cambios como oportunidades para la diversificación y el rejuvenecimiento, mientras que a otros les puede preocupar mantener la autenticidad y el significado cultural.
Reconocer esta diversidad de perspectivas en los debates sobre moda y promover un diálogo abierto y respetuoso es esencial.
La capital de la moda sigue siendo PARÍS con la Alta Costura
Te invito a explorar esta página en el Sitio web del Ministerio de Cultura. El Ministerio de Cultura apoya la creación, la investigación y la innovación en la moda mediante la financiación de organizaciones y proyectos que contribuyen al protagonismo de la moda francesa.
La moda es principalmente una cuestión de apariencia:
UNA ACTITUD
De hecho, la ropa ha aparecido desde tiempos prehistóricos y ha evolucionado a través de los siglos, pero recordemos esto: los primeros en adoptar los códigos de vestimenta fueron en la corte de Versalles. Luis XIV y Jean-Baptiste Colbert decidieron hacer de Francia el primer fabricante mundial de prendas y productos de vestir. La industria del lujo quedó bajo la autoridad de la corona.
Esto llevó al surgimiento de artesanos de renombre como Rose Bertin. La alta costura parisina se convertiría en heredera de este fenómeno. Justo antes de la Revolución Francesa, los almanaques de moda ilustrados comenzaron a difundir la moda parisina entre lectores de provincias y de toda Europa.
Esto marcó el nacimiento del periodismo de moda, un vehículo crucial para la liberalización de la indumentaria.
Los estilos extravagantes de la corte real francesa provocaron inmensas deudas a cargo de los contribuyentes. Estos gastos excesivos también contribuyeron a la reputación empañada de María Antonieta, convirtiéndose incluso en uno de los agravios que desencadenaron la Revolución Francesa. Mucho después de su muerte, María Antonieta sigue siendo un importante ícono cultural, que simboliza tanto el glamour como la riqueza.
Durante la Revolución Francesa, los “sans-culottes” dieron a la ropa un significado político. La ley del 8 de Brumario del año 2 (29 de octubre de 1793) declaró la libertad de vestir como uno quisiera, lo que presagiaba la democratización de la vestimenta.
En el Segundo Imperio, fueron los británicos, particularmente Carlos Federico Worth, quien fue pionero en el uso de modelos en vivo en París. Esto marcó el nacimiento de la Alta Costura.
Hasta el siglo XX, la gente confeccionaba su propia ropa o la hacía hacer a medida. Los diseñadores liberaron el cuerpo femenino del corsé durante la Primera Guerra Mundial.
A principios del siglo XX, Jeanne Paquin inventó los desfiles de moda.
En aquella época había una veintena de casas de alta costura en París. Paul Poiret fue el primero en “emancipar el cuerpo de la mujer”.
Estos años estuvieron marcados por una nueva tendencia en el mundo de la moda: la colaboración entre modistos y artistas visuales. Por ejemplo, Elsa Schiaparelli Colaboró con el pintor Salvador Dalí. Su amistad llevó a la creación de una colección extraordinaria que combinaba estilos artísticos y una vívida imaginación. El famoso “Vestido Langosta” de 1937 fue una pieza notable que ilustra esta fusión.
Para ampliar su alcance, la moda formó exitosamente alianzas con la fotografía y el cine. En 1930, Coco Chanel llegó a un acuerdo con Samuel Goldwyn para diseñar trajes para las estrellas de United Artists.
París es considerada la capital mundial de la moda, como lo demuestran las numerosas boutiques de moda repartidas por toda la ciudad. El mundo abraza la moda francesa junto con su cultura. Hoy en día se están produciendo intercambios culturales entre países y casas de moda de lujo, que dan resultados magníficos.
¿Por qué?
La palabra “cultura” es fundamental en ambos contextos.
Si el sistema “cultural” adoptado hoy por las grandes casas de lujo se basa en la historia, la sensibilidad, el respeto, etc., se crean conexiones naturales. Por el contrario, si este enfoque está puramente orientado al marketing (para darle su verdadera interpretación), es rechazado por la comunidad "usada".
MODA Y CULTURA EN ITALIA
El nacimiento de la moda italiana y del “Made in Italy”
La historia de la moda italiana se remonta a la Edad Media con la aparición de los primeros talleres de tejido y teñido. Durante ese período, los tejidos más preciosos se importaban de Oriente y los talleres italianos se especializaban en producir textiles refinados y de alta calidad. La marca “Made in Italy” surgió de esta tradición artesanal y de la artesanía italiana, que ayudó a que la moda italiana se destacara en el escenario internacional. A lo largo de los siglos, los diseñadores italianos han seguido innovando y desarrollando nuevos estilos, inspirándose tanto en el Renacimiento como en la cultura mediterránea.
Roma, Florencia y Milán simbolizan la economía de la moda italiana
Alta Costura Romana
El éxito de la moda en Roma durante la era posterior a la Segunda Guerra Mundial fue el resultado de un proceso de excelencia que comenzó en la década de 1870, tras los trastornos socioeconómicos que sacudieron la ciudad a partir de 1871, cuando se convirtió en la capital de Italia. La llegada de la familia real, oficinas gubernamentales, embajadas, comerciantes y pequeños empresarios derribó la jerarquía dominada por antiguas y poderosas familias aristocráticas, allanando el camino para una nobleza menos conservadora y, lo que es más importante, una burguesía urbana con nuevos valores culturales y estilos de vida. y patrones de consumo. Esta nueva clase social creó una demanda específica de artículos y accesorios de alta costura, atrayendo a los artesanos más hábiles. Procedentes de otras ciudades italianas, establecieron sus talleres en la capital o abrieron allí sucursales.
La primera “couturière” que creó una moda independiente de los estándares parisinos no fue un modisto en sentido estricto, sino una artista: Maria Monaci Gallenga (1880-1944), que veía el diseño de ropa como una síntesis perfecta entre las artes plásticas y la pintura. En 1915, exhibió sus primeras creaciones en la exposición Terza secessione Romana y en la Exposición Internacional Panamá-Pacífico en San Francisco, donde recibió un Gran Premio. Desde ese momento hasta 1935, los diseños de Maria Gallenga disfrutaron de un gran éxito en Europa y Estados Unidos, que culminó en 1925 con un Gran Premio otorgado por el jurado internacional en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París. Gracias a sus esfuerzos, Roma comenzó a “exportar” por primera vez creaciones de moda femenina italiana. En 1928, después de abrir una sucursal en Florencia, la señora Gallenga estableció una casa en París en la Rue Miromesnil, activa hasta 1934. Su éxito animó a otros diseñadores en los años 1920 y 1930 a separarse de París, estimulados por el clima cultural y político de la era.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la moda romana alcanzó un éxito internacional. La crisis de la alta costura parisina y una mayor conciencia de su potencial llevaron a los modistos romanos a romper definitivamente con París. El mercado americano contribuyó significativamente a este éxito. De hecho, con el fin del conflicto, Roma se convirtió en un destino turístico internacional, especialmente para las mujeres estadounidenses adineradas que comenzaron a descubrir y apreciar la creatividad de sus casas de moda, constituyendo el grueso de su clientela.
Simonetta, una aristócrata de la familia Visconti di Cesarò, que abrió un taller en 1946, fue el primer modisto romano que captó la atención del mercado americano. El diseño moderno de sus prendas y su practicidad las hacían adecuadas para la producción en masa, alineándose con las líneas de ropa de los grandes almacenes al otro lado del Atlántico. En consecuencia, muchos de sus diseños fueron comprados y reproducidos por las tiendas estadounidenses Bergdorf Goodman y Marshall Field's.
El acontecimiento más sonado que puso a la alta costura romana en el candelero fue el matrimonio de la estrella estadounidense Tyrone Power con la actriz Linda Christian, celebrado en Roma el 27 de enero de 1949. Las fotografías de la pareja, publicadas en las portadas de los principales periódicos europeos y Las revistas americanas mostraron el lujoso vestido de la novia creado por la casa Sorelle Fontana y el chaqué del novio diseñado por Domenico Caraceni. Ese día, el mundo fue testigo del talento de los modistos romanos y, lo que es más importante, la moda romana consolidó su relación con el cine de Hollywood.
De hecho, fue a principios de la década de 1950 cuando los vastos y bien equipados estudios de Cinecittà (fundada en 1937) comenzaron a acoger a directores y actores estadounidenses que trabajaban en películas producidas por los principales estudios estadounidenses, principalmente Metro Goldwyn Mayer, lo que le valió a Roma el sobrenombre de "Hollywood". en el Tíber”.
Mientras los actores descubrían la confección perfecta de los trajes de Caraceni y Brioni, las actrices se convertían en clientas habituales de las casas de moda romanas. Fernanda Gattinoni diseñó ropa para estrellas como Ingrid Bergman y Lana Turner, así como para la embajadora estadounidense Clara Boothe Luce y Eva Peron.
Emilio Schubert diseñó para la emperatriz de Persia, Soraya, y numerosas actrices, incluida la estrella italiana Sofia Loren.
Esther Williams patrocinó el taller del joven Roberto Capucci, quien, con su línea “a scatola” de volúmenes escultóricos y abstractos, ganó en 1958 el Oscar de la moda otorgado por los grandes almacenes Filene's de Boston. Al año siguiente, el premio recayó en Irene Galitzine, creadora del famoso pijama palazzo, una mezcla perfecta de modernidad y alta costura que adoraba Jaqueline Kennedy.
El estudio de Sorelle Fontana era frecuentado por estrellas y primeras damas como Audrey Hepburn, Liz Taylor y Jaqueline Kennedy, pero Ava Gardner apreciaba especialmente sus diseños y elegía a Sorelle como diseñadora de vestuario para la mayoría de las películas que protagonizaba.
Florencia y la afirmación de la moda italiana 1951-1970
El lanzamiento definitivo de la moda italiana en la escena internacional se produjo a principios de los años 1950, gracias a los desfiles de moda organizados en Florencia en el Palacio Pitti por el marqués Giovanni Battista Giorgini. Este momento crucial no fue el resultado de esfuerzos institucionales sino más bien del dinamismo de un individuo. Giorgini aprovechó su amplia experiencia comercial y una amplia red de contactos y relaciones desarrolladas mientras gestionaba las compras de los principales grandes almacenes estadounidenses. Fue el primero en reconocer y promover los elementos innovadores y atractivos de la alta costura italiana en el principal mercado internacional de la posguerra, el mercado estadounidense.
En Florencia, y en Toscana en general, había un vibrante tejido artesanal, un legado medieval de tradiciones manufactureras y comerciales. La ciudad, con su imagen de testimonio vivo del arte y la cultura del Renacimiento italiano, fue un importante atractivo para el turismo internacional. Durante varias décadas, Florencia se convirtió en el punto de referencia de la moda italiana, gracias al éxito y el renombre internacional de empresas y casas de moda locales como Salvatore Ferragamo (fundada en 1927), Guccio Gucci (fundada en 1921) y Emilio Pucci. En 1947, Salvatore Ferragamo recibió el premio Neiman Marcus, similar al Oscar de la moda, que uno de los grandes almacenes estadounidenses concede a diseñadores y profesionales de la moda.
El 12 de febrero de 1951, fecha del primer desfile colectivo de moda italiano organizado por Giorgini, se considera no sólo la fecha oficial del nacimiento de la moda italiana sino también el nacimiento de la marca "Made in Italy", que marca el reconocimiento internacional de la creatividad y la artesanía italiana. excelencia. El desfile tuvo lugar en los salones de su residencia de Villa Torrigiani, tras los acontecimientos de París. En presencia de seis de los principales compradores estadounidenses, trece casas de moda italianas mostraron sus diseños: nueve talleres de alta costura de Roma y Milán y cuatro casas de moda boutique.
Entre ellos se encontraba Pucci, el único modisto local. Los invitados estadounidenses se mostraron entusiasmados y los cinco periodistas italianos presentes aseguraron una gran visibilidad del evento. La consagración definitiva se produjo en julio de 1951, durante la segunda edición del evento, donde el número de casas de moda italianas participantes aumentó de trece a quince y el número de modelos expuestos pasó de 180 a 700. Además, la presencia de compradores se disparó de seis a más de 300. Para acomodarlos, los espectáculos se trasladaron a una nueva ubicación, el Gran Hotel.
Giorgini había apostado por un elemento crucial del primer desfile: el estrecho vínculo entre las creaciones de la moda italiana y la herencia de las tradiciones artísticas y artesanales del pasado, para las que sólo la ciudad de Florencia podía ofrecer el escenario ideal. Por lo tanto, para su cuarta edición en julio de 1952, el traslado del evento a la Sala Bianca del Palazzo Pitti completó la visión de Giorgini, estableciendo Florencia como la capital de la moda italiana y el escaparate perfecto para la nueva alianza entre moda, arte y tradición. La puesta en escena de Giorgini fue clave para el éxito, con su singular runway montaje, organización de eventos sociales paralelos a los desfiles y destacar las prendas de punto, la moda boutique y los complementos como verdaderas novedades respecto a la alta costura francesa.
Sin embargo, la alta costura tuvo su época y su declive fue tanto un fenómeno social como de mercado. Surgió un nuevo paradigma de la moda, menos elitista y menos aristocrático, en el que ya no eran las altas esferas de la sociedad las que dictaban y moldeaban las normas de la moda; en cambio, pasó a ser responsabilidad de clases con posiciones culturales y sociales más modestas. Giorgini era muy consciente de esto y estaba mejor posicionado que nadie para presenciar el brillo cada vez menor de los eventos, tanto en términos de participación de las casas de moda como de los compradores y la prensa.
A pesar de estos desafíos, continuó organizando los desfiles sin falta, siempre bajo la bandera de la innovación con los primeros modelos prêt-à-porter (1956), ropa adolescente (1962) y lencería femenina (1964). Facilitó el debut de nuevas marcas de moda italianas como Lancetti (1961) y Valentino (1962) para la alta costura, y Krizia y Mila Schön para la categoría “boutique”. Sin embargo, en 1965, ante continuas dificultades y deserciones, Giorgini decidió dimitir, renunciando al control y la organización de los acontecimientos. Su jubilación marcó el declive del Palacio Pitti y, en particular, de Florencia en la escena internacional.
La retirada de algunos de los nombres más destacados de la alta costura nacional y la creciente atención a la moda boutique erosionaron gradualmente el prestigio y la imagen de los desfiles florentinos, reduciéndolos a una mera “fiesta de feria”. A pesar de la ampliación de los acontecimientos en el Palacio Pitti, que a partir de 1972 vio nacer la primera edición de “Pitti Uomo”, dedicada a la ropa y accesorios masculinos, seguida de “Pitti Bimbo” en 1975, “Pitti Filati” en 1977 y finalmente “Pitti Casual” en 1978 para ropa deportiva de ocio, y “Pitti Casa”, en la década de 1970 Florencia se transformó en un centro de exposiciones. El cierre de la Sala Bianca en 1982 y el fin definitivo de los eventos “Pitti Donna” en 1984 establecieron irrevocablemente Milán como el nuevo centro del prêt-à-porter y del estilo italiano.
Milán y el diseño de moda
El ascenso de Milán al estatus de capital internacional del prêt-à-porter comenzó a mediados de la década de 1970, impulsado por un grupo de jóvenes diseñadores que decidieron alejarse de los desfiles de Florencia y presentar sus propias colecciones en Milán. La prensa internacional rápidamente se hizo eco del acontecimiento, sobre todo porque coincidía con el vigésimo quinto aniversario del nacimiento de la moda italiana.
Al elegir Milán, los diseñadores escaparon de Florencia, que se había convertido en un símbolo de limitaciones que sofocaban la creatividad y los negocios. Lejos del Palazzo Pitti, podían seleccionar a los compradores con más criterio, presentar libremente colecciones superiores al límite de veinte modelos impuesto en las exposiciones colectivas de Florencia y elegir la puesta en escena que resaltara mejor sus colecciones individuales.
En 1981, apenas unos años después de estos comienzos tentativos, el principal periódico financiero de Italia dedicó un artículo por primera vez a los “sofisticados desfiles de moda que han atraído la atención de los principales compradores de todo el mundo hacia Milán”, reconociendo el papel de la ciudad a la hora de liderar la renovación. de la moda italiana. Los diseñadores que impulsaron a la capital lombarda a la vanguardia de la moda internacional se formaron en colaboración con grandes empresas industriales y aprendieron a convertirse en empresarios y gestores de la creatividad.
Dolce & Gabbana: el símbolo de la elegancia italiana
Fundada en 1985 por Domenico Dolce y Stefano Gabbana, Dolce & Gabbana es una de las principales marcas de moda italiana.
Conocida por su estilo glamuroso y atrevido, Dolce & Gabbana ha cautivado a celebridades y entusiastas de la moda de todo el mundo. La primera colección de la marca, presentada durante la Semana de la Moda de Milán en 1986, destacó por su originalidad. Los diseños de Dolce & Gabbana se inspiran en la cultura italiana y celebran motivos tradicionales, como flores, frutas y animales. Dolce & Gabbana también estuvo entre las primeras marcas de moda en utilizar las redes sociales. media para promocionar sus colecciones. Con redes sociales innovadoras media campañas, la marca ha llegado a una audiencia más amplia y ha construido una base de clientes leales. Hoy en día, Dolce & Gabbana opera a nivel mundial y ofrece una amplia gama de productos, desde alta costura y artículos de cuero hasta accesorios y fragancias.
MODA Y CULTURA EN INGLATERRA
La clásica “moda inglesa” o “estilo británico” existe desde el siglo XIX. El diseñador William Morris, padre del movimiento Arts & Crafts, originó un “estilo inglés” distintivo que todavía caracteriza la moda inglesa clásica en la actualidad.
La era victoriana, marcada por el ascenso de Alejandrina Victoria de Kent, hija del duque de Kent, marcó el surgimiento de una monarquía más moderna y en sintonía con las aspiraciones de la sociedad que la de su tío. Durante su reinado, Gran Bretaña experimentó numerosos avances, particularmente en la industria, la ciencia y la tecnología, pero también enfrentó desafíos después del gobierno de la reina Victoria con el declive del Imperio Británico como potencia global bajo los reinados de Jorge IV y Guillermo IV. La reina Victoria dejó una huella duradera en la historia con sus preferencias y su vida vinculada a este importante período.
Durante el reinado de la reina Victoria, desde su ascensión en 1837 hasta su muerte a finales de enero de 1901, Gran Bretaña experimentó transformaciones en todos los ámbitos, incluso en las naciones que fueron protectorados o colonias británicas durante este tiempo, formando la Commonwealth. El imperio se extendió mucho, con la reina Victoria como emperatriz de la India, dominando los mares desde su trono.
Mucha gente asocia el período victoriano con el romance, la elegancia y una época pasada que refleja la inocencia de una época anterior a la inmensa agitación cultural del siglo XX.
Moda victoriana inspirada en la reina Victoria
La moda durante la época estuvo fuertemente influenciada por la propia reina Victoria. Su Majestad fue conocida como un ícono de estilo durante su reinado, y las mujeres de Londres a menudo emularon su estilo personal. Esto marcó las tendencias, que inicialmente fueron más ligeras y coloridas a principios de su reinado y se volvieron más austeras y góticas durante su período de luto.
Las mujeres usaban prendas como vestidos largos y entallados con enaguas debajo para crear un efecto voluminoso. Preferían vestidos elegantes, corsés y botas. Las botas con botones, las botas sin cordones y las botas con cordones eran distintivas de esta época.
Durante las décadas de 1840 y 1850, los vestidos de las mujeres presentaban hombros estrechos y caídos, cinturas ceñidas en un triángulo que apuntaba hacia abajo y faldas en forma de campana. La ropa interior incluía un corsé, una falda hasta los tobillos y varias capas de enaguas con volantes. Alrededor de 1850, el número de enaguas disminuyó a medida que las crinolinas se hicieron populares, ampliando el tamaño de las faldas. Los vestidos de día tenían un corpiño sencillo, mientras que los vestidos de noche eran escotados y dejaban los hombros al descubierto. Por lo general, estos conjuntos se completaban con un chal y guantes que se extendían justo por encima del codo.
En la década de 1860, las faldas se aplanaban en la parte delantera y se redondeaban en la parte posterior. La vestimenta diurna a menudo incluía mangas pagoda y cuellos altos adornados con frívolos encajes. Los vestidos de noche, de profundo escote y mangas cortas, se llevaban con guantes cortos o manoplas de ganchillo. A partir de la década de 1870, los vestidos de interior se volvieron menos estructurados, se despojaron de los corsés para ocasiones informales y los polisones reemplazaron a las crinolinas.
A finales del siglo XIX, los estilos de ropa se volvieron más simples: los polisones y crinolines pasaron de moda y los vestidos se usaban menos ajustados. Los corsés se mantuvieron pero se alargaron, dando a las mujeres una ligera silueta en forma de S. Las faldas adquirieron forma de trompeta, se ajustaban cómodamente a las caderas, se ceñían a la cintura y se ensanchaban por encima de la rodilla. Al mismo tiempo, se hicieron populares las gamas de ropa diseñadas para deportes, que abarcaban actividades como el ciclismo, el tenis y la natación.
Los hombres de la época normalmente vestían trajes de tres piezas con chaquetas largas y pantalones ajustados. Los atuendos distinguidos de dandy, como levitas y sombreros de copa o bombines, eran muy populares. Los accesorios también fueron cruciales, con pajaritas, guantes y bufandas añadiendo un toque de sofisticación a cada conjunto.
En 1807 comenzó a acelerarse la producción masiva de ropa en las fábricas y su venta en las tiendas a precios fijos. La costura casera todavía era común, pero comenzó a declinar. La nueva maquinaria cambió la forma en que se confeccionaba la ropa.
La introducción de la máquina de coser a mediados del siglo XIX, que permitía realizar un punto cerrado, simplificó la confección de prendas tanto en el hogar como en las tiendas. Este avance mecánico facilitó la aplicación de diversas decoraciones complejas que eran difíciles de elaborar a mano. Las máquinas para hacer encajes redujeron significativamente el costo del encaje, haciéndolo más popular.
Entre los nuevos materiales procedentes de tierras lejanas del Imperio Británico se encontraba el caucho, utilizado para fabricar botas de caucho y abrigos Mackintosh. Los químicos desarrollaron tintes sintéticos que eran más brillantes y duraderos que los naturales.
Gorros
Durante las primeras décadas de la era victoriana, las faldas voluminosas sostenidas por estructuras de aros eran el elemento central del atuendo femenino. Los sombreros, diseñados para complementar la silueta sin distraer, se mantuvieron modestos tanto en tamaño como en apariencia. El gorro “invisible”, usado a finales del período de la Regencia con su ala circular que reflejaba la forma de campana de las faldas, eventualmente se alargó hasta el punto de oscurecer el rostro de quien lo llevaba.
En 1870, a medida que las siluetas se hacían más delgadas, los sombreros se encogieron y se posaron hacia adelante en la frente. Los peinados se volvieron más complejos, con postizos rizados que añadían volumen al cabello natural.
Hacia el final del período, la silueta de moda parecía un triángulo vertical y los sombreros de ala ancha se pusieron de moda. Estos sombreros estaban profusamente adornados con arreglos florales de seda, cintas y plumas exóticas, las más codiciadas procedían de aves casi exterminadas en los Everglades de Florida.
Steampunk: la versión fantástica de la época victoriana
La época victoriana, marcada por tecnologías avanzadas como el ferrocarril, es un período favorecido para el movimiento Steampunk. Las máquinas de vapor, los engranajes y todo tipo de mecanismos son temas centrales... Se reinventan los inventos y tecnologías modernos, que es la esencia del Steampunk.
Las joyas durante el reinado de la reina Victoria solían hacerse a mano.
En Gran Bretaña se buscaba con frecuencia a artesanos para elaborar broches, anillos y collares, a menudo encargados como obsequios, lo que reflejaba un nivel significativo de artesanía. Por otro lado, algunas joyas también se fabricaban en fábricas, utilizando técnicas básicas bajo la supervisión de un joyero experimentado, con el proletariado como mano de obra para la producción.
Las joyas de la época victoriana solían estar muy ornamentadas y presentaban numerosas piedras preciosas y engastes intrincados. Las joyas de luto también estuvieron de moda durante el período victoriano, incluidas piezas de camafeo y joyas hechas de pelo humano o animal. Los victorianos menos ricos utilizaban materiales más baratos como el vidrio y el nácar, pero estas piezas seguían siendo elegantes y decorativas.
El estilo de la joyería victoriana es bastante distintivo y se caracteriza por el uso de azabache, diamantes y coral. Tiende a ser pesado y ornamentado, lo que transmite una impresión de riqueza y lujo. Si bien el estilo victoriano puede parecer un poco anticuado a ojos modernos, sigue siendo muy popular y muchas empresas ofrecen reproducciones de joyas inspiradas en piezas victorianas genuinas.
La moda victoriana, que lleva el nombre de la reina Victoria, que reinó en el siglo XIX, es conocida por sus faldas largas, encajes intrincados y corpiños de cuello alto. Si bien crear un atuendo de inspiración victoriana puede parecer laborioso, el resultado realmente vale la pena. Agregar algunos elementos mecánicos o combinarlo con accesorios como un sombrero de copa puede causar una impresión sorprendente.
botas victorianas
Las botas victorianas con cordones eran particularmente populares entre las mujeres y su estilo único todavía se aprecia hoy en día. Las reproducciones auténticas suelen estar hechas con los mismos materiales que las botas victorianas con cordones originales y están disponibles en varias fuentes. Algunas personas pueden preferir botas hechas de materiales sintéticos en lugar de cuero, debido a consideraciones de costo o preferencias personales.
Las botas de mujer victorianas vienen en dos estilos principales.
Están disponibles tanto en corte bajo como alto, con colores variados como verde, rojo y blanco, aunque el negro y el marrón siguen siendo las opciones más comunes. Los cordones generalmente suben por la parte delantera del zapato, desde el pie hasta la parte superior de la bota, y los tacones suelen medir entre 2 y 3 pulgadas de alto, con forma de reloj de arena. La característica más distintiva de las botas victorianas con cordones para mujer es su punta muy puntiaguda y estrecha, lo que puede requerir comprar una talla más grande de lo habitual para garantizar que los dedos no queden demasiado comprimidos.
Esta tendencia nos presentará a grandes diseñadores como Vivienne Westwood y John Galliano.
CONCLUSIÓN
Las principales Semanas de la Moda de Londres, Milán y París muestran cada una su creatividad, reflejando sus ricas historias y viajes. Cada ciudad cuenta con diseñadores que se inspiran en la historia de la moda y sus historias personales: un enfoque sincero, pero ¿sigue siendo así hoy en día? Es incierto.
Debemos tener cuidado de que la deseabilidad no sea sólo una táctica de marketing. Si es así, es posible que la marca o casa de moda en cuestión no dure a largo plazo.
La moda debe inspirar sueños y seguir siendo un fenómeno social.
¡No olvidemos que la moda es la embajadora más glamurosa!
